Triple LP en 180g.

Étnico en la percusión, de atmósfera nocturna, delicado, sutil, hipnótico, más onírico que infeccioso, sabroso y rico en texturas, contundente y definido, deliberadamente analógico, exprime el vinilo con la exquisitez propia de las grabaciones de referencia.

El último disco de Massive Attack, un clásico en tu estantería desde el primer día.

Gracias primo por esta delicatessen.

La aventura transpirenaica estaba motivada por el anhelo de cumplir un sueño largamente fraguado y que nació el día que retransmitieron (creo recordar que en directo) el concierto de Jean-Michel Jarre: el primer artista occidental en tocar en la RPC. Si alguien más lo vió en aquellos tiempos me entenderá. Los que no sepan de que va el tema pueden irse a las cifras, los récords y demás parafernalia que aunque ayudan a dimensionar el calibre del personaje no transmiten ni un ápice de su obra.

Años más tarde disfruté en VHS del concierto en Houston con motivo del 25 aniversario de la NASA, ante 1 millón de personas Jarre deslumbró al mundo con un espectáculo todavía hoy sin parangón con la salvedad de otros conciertos posteriores del mismo autor, por ejemplo: París – La Defense (1991). Aquellos conciertos de los 90 mantenían viva la esperanza de poder disfrutar de uno de sus raven en persona, así mientras alcanzaba la mayoría de edad y aspiraba a la solvencia económica que me permitiera realizar el viaje disfruté de incontables horas de evasión musical enchufado a los auriculares, de mi walkman primero, del discman mucho después…

… con 62 años y millones de fan entusiastas Jarre llegó al 2010 y decidió lanzar una gira in doors que deslumbrara a sus fans con espectaculares efectos visuales y una calidad sonora acorde.

Nada más llegar a nuestra localidad descubrimos un folleto de “Jarre Technologies” publicitando el fruto de cuatro años de desvelos. Mal presagio.

Sobre un sencillo escenario y un auditorio técnicamente capaz Jarre desplegó una sencilla puesta en escena en la que ya desde el primer instante se confirmó la peor de las sospechas: faltaban gran parte de sus antiguos sintetizadores analógicos.

Jarre entró eufórico caminando entre sus fieles, cosechando manos y vítores, subió pegando botes al escenario y eso fue todo: dos horas pegando botes con más de 60 tacos, me alegro por su corazón.

Sólo se acercó a sus viejos sintes en un par de ocasiones, el resto del tiempo lo pasó maltratando clásicos analógicos con inerte basura digital; tocó la vieja y deliciosa guitarra/moug en una ocasión y nos regaló los oídos durante algunos minutos con una buena interpretación al siempre estremecedor Teremin. Finito.

Paradójicamente ni rastro de ninguno de los temas “recientes” dignos de mención concebidos bajo tecnología digital de última generación aunque tampoco hizo mucho más a parte de lanzar samples desde modernos multipistas que poco o ningún trabajo le exigían ya que era obvio que lo traía casi todo cocinado de casa. Nos refugiamos en la percusión y su veterano teclista de apoyo los cuáles al menos se ganaron la cena y cerramos los ojos cuando aporreó el harpa láser con unas impropias variaciones al más puro estilo Gipsy King.

¿Y el show de luz y color? ¿Y la evocadora, espectacular y esperable composición de efectos de luz que transportan al espectador a un estado de catársis igual que un buen ballet eleva el trabajo de la orquesta a cotas celestiales? Ni cielo, ni ballet, ni nada de nada… los láseres y la pantalla de proyección eran grandes y potentes, sin duda, capaces de acometer dicha tarea si tan sólo alguien se hubiera molestado en sincronizarlos con la música en lugar de dejarlos encendido en modo demo durante toda la velada. En resumen: una puesta en escena pobre, arrítmica e injustificable.

La guinda de la catástrofe la pusieron los cuatro (literalmente) fans fanáticos (o a sueldo) que se pasaron todo el concierto de pié junto al escenario brincando al ritmo de su ídolo, sumergidos en un éxtasis aeróbico impropio de los conciertos de Jarre (que se suelen disfrutar sentado, como manda la tradición), especialmente ridículo el detalle de los tubitos fluorescentes a modo de prismáticos cuando tocó Equinoxe IV.

Cuando la NASA le pone tu nombre a un planeta en tu honor, la UNESCO usa tu himno y Arthur C. Clarke reconoce que tu música, “escuchada obsesivamente“, le inspiró para escribir Odisea 2010 es lógico que, previo pago de 80 eur / cabeza, uno espere un espectáculo acorde.

Jarre lleva muchos años maltratando a sus fans, intercalando un concierto decente con 10 giras basura, un disco elaborado por cada cuatro abortos sonoros recaudatorios.

Sobraron aspavientos y se hechó de menos más respeto por su trabajo.

Una de las cosas que más me gustaron de la película fue su BSO, de Angelo Badalamenti. Personalmente una de las mejores BSO de la historia con piezas tan simples y contundentes como “Laurens Walking”. Aún hoy, sigo sin entender como no fue tan siquiera nominada al Oscar.

Rescato este vídeo que encontré en Youtube sobre el maestro Badalamenti, explicando cómo escribió uno de los temas  principales de Twin Peaks:

Curiosidades Twin Peaks (vía Wikipedia):

El nombre de Dale Cooper podría estar inspirado en D.B. Cooper, el hombre que en 1971 secuestró un avión desde el que saltó en paracaídas y con 200.000 dólares pegados al cuerpo. Nadie lo volvió a ver jamás, pero cerca de donde se supuso su aterrizaje se encontraron una serie de billetes como los utilizados en el rescate perfectamente alineados. En la serie americana Prison Break el personaje de Charles Westmorelandresulta ser D.B. Cooper.

Las escenas en las que aparece el estrambótico enano bailarín están rodadas al inverso para provocar ese efecto fantasmagórico. Michael J. Anderson aprendió a caminar siendo ya adulto y desde joven perfeccionó la habilidad de hablar al revés.

Las ciudades de Snoqualmie y North Bend, en Washington, donde se realizaron las primeras localizaciones para Twin Peaks, están a sólo unos kilómetros de la población de Roslyn. En esta última ciudad fue donde se grabó la serie Doctor en Alaska, fuertemente influida por Twin Peaks, hasta el punto de rodar un episodio que era una clara parodia de la serie de Lynch y Frost.

Por 7’99 eur y gracias a una colección por fascículos de vinilos míticos de jazz, que como suele ocurrir con todo coleccionable arranca con un precio de derribo para después ponerse al nivel del mercado (los discos posteriores salen a 14 eur, lo que viene a ser el precio habitual de tienda).

Un pelín excéptico sobre el prensaje antes de abrirlo y escucharlo para finalmente descubrir un magnífico disco de 180g que suena estupendamente.

Grabación mítica por muchos y variopintos motivos, ahí va uno: 80 minutos de grabación, incluyendo tomas falsas y conversaciones recogidas por los micros para un LP de 46minutos. Sólo al alcance de los maestros.

En la Wikipedia española puede leerse: (…) Está considerado como la obra maestra del género y por su gran influencia en diversos géneros como el rock y la música clásica^{[6] [7]} es apreciada como una de las producciones más grandes de todos los tiempos.^{[8] [9] [10]} En el año 2002 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos anexó a Kind of Blue en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su “significancia cultural o histórica” en la vida norteamericana.^[11] En el 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el n.º 12 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. (…).

El dream team (c&p Wikipedia):

• Miles Davis – trompeta
• Julian “Cannonball” Adderley – saxofón alto (no toca en “Blue in Green”)
• John Coltrane – saxofón tenor
• Wynton Kelly – piano (sólo toca en “Freddie Freeloader”)
• Bill Evans – piano (salvo en “Freddie Freeloader”)
• Paul Chambers – Contrabajo
• Jimmy Cobb – Batería

A título personal: por el momento sólo lo he escuchado una vez de forma distraida mientras hacía otras cosas, en esta primera toma de contacto me ha parecido estar en la línea habitual de Miles Davis, un ritmo tranquilo sin grandes estridencias y con frases largas y reflexivas que invitan a una audición más relajada y atenta, ideal para bajar la presión sanguínea y diluir el estrés. Sin duda un disco que disfrutaré mil veces.

Onírica y embriagadora desde el primer fotograma, un viaje crudo e impactante, el retrato de un genio creativo, manipulador e irrestiblemente conquistador.

Confío en que no exista una versión doblada.

Lo único que tienen que ver estos dos discos y el motivo de que aparezcan juntos en un mismo post es que los compré el mismo día.

El pasado día 17 salió a la venta el nuevo disco de Norah Jones, The Fall, es una de esas artistas en las que, según mi criterio, puedes invertir el dinero a ciegas (o sordas) sabiendo que no te vas a sentir estafado.

Sólo acostumbro pagar más de 10 eur por un disco si se trata de un vinilo pero en esta ocasión no me importó invertir 19’95€ en el CD edición especial que incluye un disco extra en directo por un euro más que la edición normal. El LP no estaba disponible en la tienda y mi compañera había tenido un día de esos en los que un inesperado regalo de su artista preferida iba a levantarle el ánimo. No quedó otra que dejar el vinilo para otra ocasión.

En este nuevo disco Norah Jones evoluciona: recuerdos de Jonhy Cash, se intuye una sombra reggae en algunos ritmos, distorsiones más acusadas que en trabajos anteriores y una producción exquisita que hará las delicias de los oídos más exigentes.

Como ya se habrán dado cuenta soy de esos bichos en supuesta extinción que adquieren música original y que además siguen ese incomprensible procedimiento (para los ignorantes que además presumen de serlo) basado en: lo descargo, lo escucho y si me gusta me lo compro. Lo que no me gusta además de no comprarlo, ni lo escucho ni lo almaceno porque ni soy masoca ni me regalan los gigas.

Poseo una copia original de la mayoría de la música que escucho y disfruto con mayor frecuencia y mis motivos son sencillos: pagar es una forma justa (aunque quizás no todo lo equitativa que debiera) de agradecer al artista y a todos los que han hecho posible el disfrute de su obra, un CD original suena mejor que el mejor de los formatos digitales de compresión con perdida. Es cierto que existe la posibilidad de duplicar un CD empleando métodos de detección y corrección de errores en el proceso de copia así como formatos de extracción y comprensión sin pérdida pero en el primer caso me pierdo el estuche original, el libreto bien impreso y no le doy un duro al artista y sí a las SGAE y su reparto nada equitativo (por huevos que no duplico un disco de Norah Jones para que encima se beneficie David Bisbal o Ramoncín por haber comprado un CD virgen).

Si descargara música comprimida sin pérdida seguiría teniendo un problema: necesitaría un conversor digital analógico digno para disfrutar de una calidad similar a la que me proporciona mi actual reproductor de CDs.

A estas alturas ya se habrán dado cuenta de que la vena audiófila impone un gasto: igual que un fumador se deja el salario en cultivar un hermoso carcinoma a mí me da por alimentar a mi querido ampli y sus hermanas con ese caviar marcado por el copyright.

En su día la mayoría de los usuarios de vinilo abandonaron el formato ignorando su verdadero potencial cualitativo, de hecho y aunque entonces hubieran adquirido el equipo adecuado el estado de la tecnología no era el actual: un vinilo de ayer en un equipo de hoy suena mejor que nunca. Si tienen ocasión compruébenlo.

Con el CD está pasando tres cuartos de lo mismo: la mayoría de los que están abandonando el disco óptico ignoran el placer que estos encierran.

Para entender la inversión mínima (1.500 eur puede ser una buena cifra de entrada) que requiere un equipo high-end básico basta con acudir a una tienda especializada y pedir una demostración; para saber apreciarlo y extraer todo el jugo es necesario educar el oído y el espíritu.

A pesar de todo no creo que quienes no hayan comprado en su día un disco o se hayan desprendido de los que tenían estén dejando pasar tren alguno. En un futuro cada vez más cercano podremos disfrutar de millones de canciones on-line con calidad incluso superior al CD actual. Después de todo si la X-Box ya permite, incluso en España, disfrutar de un videoclub en alta definición ¿porqué iba a ser diferente con la música? Cuestión de tiempo, hasta entonces ahí esta la tienda online de iTunes y demás sucedáneos. Los tiempos cambian pero siempre habrá nostálgicos que seguiremos comprando nuestro disco, nuestro tesooooro… ¿fetichismo consumista? En parte pero de momento es la mejor forma de coleccionar un autógrafo a la salida de un concierto. ¿Cuál es la alternativa? ¿Que me firmen el iPod?

Vayamos con el segundo disco del día: The Ramones, The Chrysalis Years Anthology. Eran una de mis muchas asignaturas pendientes, cuando lo descubrí a escasa distancia del disco de Norah luciendo la etiqueta de “precio de derribo” supe que se me habían acabado las excusas.

The Ramones fueron los precusores del punk, se adelantaron dos años a todos los que vendrían después con su estilo punk-rock: canciones breves, sencillas, pegadizas y más fáciles de escuchar para el recien llegado al territorio de los vaqueros rasgados que los Sex Pistols, baluartes del género.

Tres discos y 84 canciones vibrantes, divertidas y frenéticas, música para una huida en descapatoble a través del desierto.